{"id":863,"date":"2024-12-02T09:12:11","date_gmt":"2024-12-02T08:12:11","guid":{"rendered":"https:\/\/www.slow-venice.com\/?p=863"},"modified":"2024-12-17T17:11:05","modified_gmt":"2024-12-17T16:11:05","slug":"venetian-reds","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.slow-venice.com\/de\/2024\/12\/02\/venetian-reds\/","title":{"rendered":"Venezianische Rotkl\u00e4nge"},"content":{"rendered":"
\"Giovanni
Giovanni Bellini, Presentazione di Ges\u00f9 al Tempio, 1460-64, Pinacoteca Querini Stampalia<\/figcaption><\/figure>\n

 <\/p>\n

Es ist nicht nur Karmesin, Purpur oder Scharlachrot. Das venezianische Rot ist mehr: Es ist unbestimmbar. \u00dcbereinanderliegende Schattierungen, transparente Lacke, warme, einh\u00fcllende Sinnlichkeit rufen die wechselnden Lichtspiele einer Kerzenflamme hervor und lassen Oberfl\u00e4chen bei jedem Lichtwechsel...<\/p>\n

In den sakralen Themen der venezianischen Renaissance erinnert Rot an das Blut des Opfers, das Martyrium und die g\u00f6ttliche Liebe \u2013 Momente, die im Mittelpunkt der christlichen Tradition stehen. In Portr\u00e4ts und weltlichen Themen hingegen l\u00f6st es sich von seinen symbolischen Bedeutungen und dr\u00fcckt Eleganz, Sinnlichkeit und Leidenschaft aus.<\/p>\n

Rot ist eine dramatische Farbe, die den Blick auf sich zieht und sofort ins Zentrum der Aufmerksamkeit r\u00fcckt. Wenn man es tr\u00e4gt, es ist als ob man auf einer B\u00fchne stehen w\u00fcrde: Rot zu tragen will gelernt sein.<\/p>\n

Vielleicht aus diesem Grund war es schon immer eine k\u00f6nigliche Farbe, und in der Erinnerung des Renaissance-Venedigs lebte das Purpur der byzantinischen Kaiser noch lebendig fort.<\/p>\n

Das Rot in seiner edelsten Form war \u00fcberall zu sehen: in den antiken Mosaiken von San Marco, in mittelalterlichen Altarbildern oder in den Roben der Senatoren. Benutzt f\u00fcr feierliche Anl\u00e4sse und von bedeutenden Pers\u00f6nlichkeiten, setzte es sich im 16. Jahrhundert auch in privaten oder allegorischen Portr\u00e4ts durch.<\/p>\n

F\u00fcr das Portr\u00e4t der Laura verwendete Giorgione zarte Lasuren, die von Rot bis zum Braun des Pelzes reichen und die Figur mit einem weichen und nat\u00fcrlichen Licht modellieren. Der entbl\u00f6\u00dfte Busen, der Rand des Pelzes, der die Brust streift, schaffen eine starke Sinnlichkeit.<\/p>\n

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Giorgione, \"Laura\", 1506, Kunsthistorisches Museum, Wien<\/figcaption><\/figure>\n

Wie in anderen r\u00e4tselhaften Werken des K\u00fcnstlers bleibt die Identit\u00e4t der Figur ungekl\u00e4rt: vielleicht Flora, vielleicht eine Kurtisane, eine Nymphe oder, wie das Vorhandensein des Lorbeerzweiges andeuten k\u00f6nnte, Petrarcas geliebte Laura. Wahrscheinlicher ist jedoch, dass es sich um ein Gl\u00fcckwunschportr\u00e4t handelt, das f\u00fcr eine Hochzeit in Auftrag gegeben wurde.<\/p>\n

Das kostbare Pigment wurde haupts\u00e4chlich aus Zinnober gewonnen, einem seltenen Mineral, das Quecksilbersulfid enth\u00e4lt. Aufgrund seines hohen Preises wurde ab dem 13. Jahrhundert ein \u00e4hnliches Pigment, das Zinnoberrot, durch einen chemischen Prozess aus einer Mischung von Quecksilber und Schwefel hergestellt, der bereits in China und in der islamischen Welt bekannt war. Es war leichter zug\u00e4nglich und von gleichm\u00e4\u00dfigerer Qualit\u00e4t als das nat\u00fcrliche Pigment. Dank ihrer Intensit\u00e4t und Deckkraft wurden sowohl Zinnober als auch Zinnoberrot zur Darstellung von Stoffen und Gew\u00e4ndern verwendet.<\/p>\n

Dar\u00fcber hinaus wurden oft organische rote, transparente Lacke dar\u00fcber aufgetragen, wie der aus der Wurzel von Krapp gewonnene Lack, der orange-rote und rosafarbene T\u00f6ne erzeugte. Bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts wurde auch Kermes verwendet, ein Rot, das aus einem Insekt aus der Familie der Marienk\u00e4fer gewonnen wird und bereits in der Vorgeschichte bekannt war.
\n\u2028Um 1520 erreichte Cochenille, ein weiteres Insekt derselben Familie, aus Mexiko die europ\u00e4ischen M\u00e4rkte. Aus ihm wurde ein noch brillanterer Lack gewonnen. Aufgrund seiner Transparenz und Intensit\u00e4t wurde er schnell bei venezianischen und allgemein italienischen K\u00fcnstlern popul\u00e4r, die ihn anstelle von Kermes f\u00fcr hellere Lasuren verwendeten.<\/p>\n

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Tizian, Flora, 1515, Gallerie degli Uffizi, Florence<\/figcaption><\/figure>\n

In Flora erreicht Tizian eine au\u00dfergew\u00f6hnliche Meisterschaft im Umgang mit Rot. Obwohl die Farbe weniger dominant ist als in anderen Portr\u00e4ts, ist das Werk hier durch zarte rosa-rote und orangefarbene T\u00f6ne durchdrungen: von den kupferfarbenen Haaren der jungen Frau \u00fcber den lebhaften Teint ihres Gesichts bis hin zu den leuchtenden Reflexen auf dem samtigen Umhang, der sie sanft einh\u00fcllt.
Der mondartige Glanz der Bluse betont die rosigen Hautt\u00f6ne und die Struktur des Samtes. \u00c4hnlich wie in Giorgiones Laura ist die junge Frau wahrscheinlich eine Allegorie; aufgrund der Rosen, die sie in der Hand h\u00e4lt, sehen einige in ihr Venus, die G\u00f6ttin der Liebe, doch wird sie meist mit Flora identifiziert.<\/p>\n

Im starken Kontrast zur Sinnlichkeit der Flora steht das Portr\u00e4t von Isabella von Portugal, das Tizian mehr als drei\u00dfig Jahre sp\u00e4ter malte. Es handelt sich um ein posthumes Portr\u00e4t der geliebten Ehefrau Karls V., die im Alter von 35 Jahren starb, m\u00f6glicherweise an Entkr\u00e4ftung, nachdem sie ihr siebtes Kind geboren hatte.<\/p>\n

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Tizian, Isabella of Portugal, 1548, Museo Nacional del Prado, Madrid<\/figcaption><\/figure>\n

Die Bitte Karls V. war nicht, die echten Z\u00fcge seiner Frau zu bewahren, sondern vielmehr ihre Rolle als Kaiserin des gewaltigen Habsburgerreichs neben ihm zu unterstreichen; und Tizian verstand den Wunsch seines Auftraggebers. Das Gold, die Juwelen, die Frisur, die Lichtreflexe auf dem Samt der Kleidung und des Vorhangs tragen dazu bei, die Quintessenz von k\u00f6niglicher W\u00fcrde und christlicher Tugend auszudr\u00fccken.<\/p>\n

Das aufgeschlagene Gebetbuch und der Blick, der in die Ferne gerichtet ist, zeigen Isabella als Wesen, das nicht mehr von dieser Welt scheint. Entfernt wie eine Ikone geh\u00f6rt sie vielmehr zu jenem blauen Himmel \u00fcber der Dolomitenlandschaft, der sich hinter ihr \u00f6ffnet \u2013 eine Anspielung auf Tizians Geburtsland, das er in vielen seiner Werke zitierte.<\/p>\n

Das Mieder ist von einem tiefen Rotton gepr\u00e4gt, der wahrscheinlich aus Zinnober und Lasuren aus Cochenillelack besteht, um die Tiefe und Intensit\u00e4t zu verst\u00e4rken.<\/p>\n

Doch Rot war nicht l\u00e4nger das Vorrecht von K\u00f6niginnen und Kaiserinnen, Liebesg\u00f6ttinnen oder Kurtisanen: Auch Adelige bevorzugten diese Farbe mit ihren vielf\u00e4ltigen Bedeutungen und ihrer stets beeindruckenden Wirkung.<\/p>\n

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Paris Bordone, Portr\u00e4t, 1550, Galleria Palatina, Firenze<\/figcaption><\/figure>\n

Im Frauenportr\u00e4t von Paris Bordone, einem Sch\u00fcler und Mitarbeiter Tizians, verleiht das Rot des Kleides der bis heute unbekannten Protagonistin Energie und eine imposante Pr\u00e4senz. Im 19. Jahrhundert hielten Kritiker sie f\u00fcr eine Amme der Medici, doch der kostbare Stoff, die Perlenkette und ihre Haltung deuten auf einen hohen sozialen Rang hin. Die schimmernden Reflexe des Samts werden durch hellere Pinselstriche erzeugt, die das Spiel des Lichts auf dem Stoff nachahmen.\u2028<\/p>\n

Ein w\u00e4rmeres und weicheres Licht erhellt ihr Gesicht, dessen Ausdruck Entschlossenheit ahnen l\u00e4sst, ebenso wie ihre Haltung, bei der die Arme frei liegen, anstatt wie \u00fcblich im Scho\u00df verschr\u00e4nkt zu sein.<\/p>\n

Mitte des Jahrhunderts bringt Veronese mit gr\u00f6\u00dferer Freiheit neue Farben in die venezianische Schule, die bis dahin von warmen T\u00f6nen dominiert wurde \u2013 von den mittelalterlichen Altarbildern bis zur gro\u00dfen Renaissance-Epoche von Bellini, Giorgione, Sebastiano del Piombo und Tizian, um nur einige zu nennen.<\/p>\n

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Paolo Veronese, Portr\u00e4t, 1555, Musee de la Chartreuse, Douai, France<\/figcaption><\/figure>\n

Im Portr\u00e4t dieser Dame \u2013 wir sind inzwischen im Jahr 1565 \u2013 bleibt das Rot des Samts noch immer kr\u00e4ftig und dicht, mit einigen besonders leuchtenden Stellen, doch die k\u00fchlen Lasuren der Bluse erzeugen einen \u00e4therischen Effekt und ein komplexes Farbenspiel. Auch die Haut, die noch immer die rosigen T\u00f6ne des Renaissance-Sch\u00f6nheitsideals bewahrt, zeigt k\u00fchle Schatten, die durch das Mischen heller T\u00f6ne mit einem Hauch von Blau und Grau erreicht wurden.<\/p>\n

Die Techniken der Farbexperimente, der Schichtungen und \u00dcberlagerungen von Zinnober, Zinnoberrot und roten Lacken erreichten ihren H\u00f6hepunkt im 17. Jahrhundert in den Niederlanden durch K\u00fcnstler wie Van Dyck und Rembrandt, die auch das neue Rot der Cochenille verwendeten, das noch brillantere Effekte erzeugte.<\/p>\n

Venedig hatte einen Trend vorweggenommen, der Jahrhunderte \u00fcberdauern sollte, und damit seine zentrale Rolle in der Kunstgeschichte best\u00e4tigt. Das Rot mit seinen unendlichen Nuancen und seiner symbolischen Kraft bleibt eines der eindrucksvollsten Zeichen dieser au\u00dfergew\u00f6hnlichen k\u00fcnstlerischen Epoche, das bis heute royale W\u00fcrde und sinnliche Sch\u00f6nheit in einer Weise vermittelt, die Kunstliebhaber weiterhin fasziniert.<\/p>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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